Come i registi aiutano gli spettatori ad amare i loro film
Cinema / / December 30, 2020
Molto spesso, quando si parla di cinema, si parla della trama e della recitazione. Naturalmente, questi sono componenti importanti di qualsiasi film. Ma succede che non puoi distogliere lo sguardo da un'immagine, anche se l'azione si sviluppa molto lentamente e un'altra storia diventa rapidamente noiosa, nonostante i molti eventi. Alcuni autori riescono a far credere allo spettatore nelle svolte più fantastiche, mentre altri fanno anche situazioni reali come i giocattoli. Ed è bello guardare alcuni nastri, mentre altri sono difficili.
Il fatto è che, oltre alla trama e agli attori, ci sono molti trucchi tecnici interessanti con l'aiuto dei registi che aiutano lo spettatore a sentire l'azione ea godersi ciò che sta accadendo sullo schermo. Queste sottigliezze potrebbero non essere nemmeno notate, ma influenzano comunque notevolmente la percezione dell'immagine.
Spettro dei colori
La prima cosa da notare è che i colori nei film spesso non sono affatto gli stessi della vita reale. Potrebbe essere abbastanza ovvio (ad esempio, se l'immagine è in bianco e nero), oppure non te ne accorgi immediatamente. Ma non è una coincidenza.
Crea atmosfera
Con l'aiuto dei colori, puoi trasmettere meglio l'atmosfera di ciò che sta accadendo, creare un'atmosfera per lo spettatore e persino mostrare i sentimenti dei personaggi stessi.
Ad esempio, prendi il famoso franchise "X-Men». Nella serie principale di film, l'immagine luminosa e ricca ricorda i fumetti. E in contrasto con loro nel noir "Logan", dove parlano della vecchiaia e della fatica dell'eroe, vengono scelti toni più chiari.
Nel film "Mad Max: Fury Road" la maggior parte dell'azione si svolge in una calda area desertica. È logico che la foto sia stata scattata in tonalità giallo-arancio, che ti fanno sentire il sole cocente e la secchezza.
Per chiarezza, puoi prendere una cornice e cambiare la combinazione di colori. Immediatamente sembrerà che sia diventato più freddo.
Per creare un'immagine contrastante, i blockbuster moderni e in generale il cinema di massa sono resi più blu e arancioni.
Ed ecco il famoso Wes Anderson ama una morbida tavolozza rosata. Dà allo spettatore la sensazione di un vecchio film romantico. E tutto ciò che accade è percepito con più calma e facilità.
Quando vogliono creare un'atmosfera del futuro e della fantasia, spesso diventano anche blu. E amano in particolare i colori al neon, che sono saldamente collegati nella testa dello spettatore con il cyberpunk e la tecnologia.
Inutile dire che gli autori film horror preferisci i colori scuri. Ci sono diverse ragioni per questo. Naturalmente, questo è in parte un modo per pompare l'atmosfera. Molte persone hanno già paura del buio e nei film dell'orrore ci sono anche mostri nascosti al suo interno.
Inoltre, un'immagine scura consente di nascondere leggermente le imperfezioni nella grafica o nel trucco e risparmiare sulla produzione. È vero, c'è un pericolo in questo: se oscuri troppo il fotogramma, lo spettatore potrebbe semplicemente non vedere cosa sta succedendo sullo schermo, specialmente in un brutto cinema o su una vecchia TV. Ad esempio, questo è stato il caso del film del 2018 Slenderman.
Anche se alcuni registi originali possono giocare in contrasto. Ad esempio, Ari Astaire in "Solstizio”Ha mostrato l'atmosfera tipica di un film dell'orrore: gli eroi si trovano in un villaggio isolato, dove accadono cose terribili.
Ma allo stesso tempo, l'immagine è molto luminosa, non ci sono quasi scene scure e gli abiti degli eroi sono bianchi come la neve. E questo lo rende ancora più terribile, perché non c'è nessun posto dove nascondersi dall'orrore.
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Separazione delle parti del grafico
Un film può avere diversi filtri di colore diversi. Sono usati per separare le trame in modo più chiaro. E con il giusto talento, questo approccio aiuta a illuminare l'immagine.
Un ottimo esempio è "Matrice». Il logo di questo nastro è stato realizzato con simboli di codice verde, che denotano il programma in cui le persone vivono. Ecco perché tutto ciò che accade nel mondo virtuale è stato filmato attraverso un filtro verdastro. E gli eventi reali sono visualizzati in blu.
E solo alla fine della terza parte, quando le persone e le macchine hanno concluso un accordo di pace, i colori puri blu e verde compaiono contemporaneamente nella cornice.
Nel film Christopher Nolan I personaggi "principianti" si spostano dal mondo reale a un sogno, poi a un sogno in un sogno e così via. Per separare più chiaramente gli "strati", il regista ha scelto il proprio schema di colori per ciascuno di essi.
Al primo livello di sonno, tutto è filmato in una tavolozza blu, il secondo è giallo, il terzo è bianco. E solo nell'ultimo sogno tutte le ombre si riuniscono di nuovo, come nel mondo reale.
In Blade Runner 2049 Denis Villeneuve i diversi colori riflettevano sia il luogo che lo stato interiore del protagonista.
Tutto inizia con il personaggio di Ryan Gosling che vaga nella nebbia, poi attraversa un caldo deserto arancione, il futurismo al neon e un'alluvione notturna. E la storia si conclude su uno sfondo bianco come la neve, riflettendo calma e purificazione.
Rifiuto del colore
C'erano una volta tutti i film bianco e nero. Semplicemente perché non sapevano scattare diversamente ed era possibile colorare i fotogrammi solo a mano. Poi sono arrivati i film a colori e la cinematografia è diventata molto più realistica.
Ma allo stesso tempo, la fotografia in bianco e nero non è completamente una cosa del passato. Sono ancora utilizzati per scopi artistici. Ad esempio, per delineare mondi o trame differenti.
Così, in Il mago di Oz, 1939, il colore appare quando Dolly entra nel mondo fatato.
In "Stalker" di Andrey Tarkovsky i colori sono assenti anche nella vita ordinaria degli eroi. E quando i personaggi entrano nella mistica "Zona", il mondo diventa luminoso - è qui che le persone si rivelano davvero.
O lo stesso Christopher Nolan nel nastro "Remember" ha mostrato una parte dell'azione nell'ordine diretto, e la seconda - nell'opposto. Pertanto, metà del film è girato a colori e l'altra è in bianco e nero.
Inoltre, un'immagine in bianco e nero consente di enfatizzare in modo più vivido alcuni dettagli semplicemente aggiungendovi del colore. Per la prima volta, Sergei Eisenstein lo fece quando dipinse manualmente la bandiera della corazzata Potemkin del 1925.
Successivamente, questa tecnica è stata utilizzata in generi completamente diversi. Nella "Lista di Schindler" Steven Spielberg l'aspetto di una ragazza con un cappotto rosso diventa uno dei momenti più emozionanti.
E anche nel film comico Sin City, questo approccio viene utilizzato ripetutamente, con un'enfasi sul rossetto rosso, sugli occhi luminosi o sul sangue.
Costruzione del telaio
Regole di terzi
Uno dei principi fondamentali sia del cinema che del la fotografia. Questa è qualcosa come una regola semplificata della "sezione aurea".
È semplice: durante le riprese, lo schermo è diviso in tre parti verticalmente e orizzontalmente. Gli elementi più importanti per la trama dovrebbero trovarsi su queste linee, così come alla loro intersezione. Ciò renderà più facile per lo spettatore concentrarsi sui punti desiderati.
Posto in una piazza
Se dividi in modo condizionale il fotogramma a metà o in quattro parti uguali, puoi far capire allo spettatore senza parole quale posto occupa il personaggio nella storia.
Questa tecnica è più chiaramente visibile nel nastro "Drive" Nicholas Winding Refna. Ad esempio, se il volto del personaggio principale è mostrato nell'angolo in alto a sinistra e nel fotogramma successivo un altro personaggio appare nello stesso punto, allora questo è un suggerimento che i personaggi saranno rivali.
Inoltre, lo stesso Refn può raccontare due storie in parallelo: nella parte superiore e inferiore dello schermo o nelle metà sinistra e destra. Lo spettatore potrebbe non notare questa mossa, ma la percezione dei personaggi sarà comunque più completa. Inoltre, è semplicemente bellissimo.
Simmetria
Un'altra tecnica psicologica ed estetica allo stesso tempo. Spesso, gli scatti in cui la metà sinistra riflette la metà destra vengono eseguiti solo per la bellezza.
Ma a volte trasmettono l'opposizione dei personaggi. E se l'eroe si guarda allo specchio, mostrerà il suo lato oscuro o la differenza tra i sogni e la realtà. In una parola, qualsiasi allegoria a cui si possa pensare per riflessioni.
Angolo olandese
Per mostrare l'instabilità del principale eroe, i suoi dubbi su qualcosa o problemi di memoria, usano una tecnica molto visiva. "Angolo olandese" significa che la fotocamera non sta scattando dritta, ma inclinata. Molti esempi di questo approccio si possono trovare nei film di Danny Boyle.
Lo spettatore non è abituato a guardare l'immagine da un'angolazione, quindi percepisce meglio lo stato di disagio del personaggio.
Tuttavia, è importante osservare la misura qui. Ad esempio, il disastroso film "Battlefield: Earth" è stato girato interamente in diagonale. Ma in un'ora e mezza, lo spettatore molto probabilmente avrà solo un mal di collo.
Riprese dal basso e dall'alto
Un'altra delle tecniche semplici ma efficaci che ti permette di trasmettere i sentimenti di sé degli eroi. Quindi puoi mostrare, ad esempio, chi è il padrone della situazione. E poi mi vengono subito in mente i nastri Quentin Tarantinodove i personaggi guardano nel bagagliaio.
E sparare dall'alto ti fa sentire che l'eroe si sente insicuro. Ecco come lo hanno interpretato in modo divertente nella famosa scena del film "Di cosa parlano gli uomini", dove il personaggio di Kamil Larin, come un bambino, scusa il portiere in un ristorante costoso:
Dialogo e movimento
Azione in background
Una tecnica più spesso utilizzata nella commedia o nell'orrore. In primo piano non accade nulla di interessante. E la cosa più importante si svolge sullo sfondo, che può essere oscurato o sfocato.
Ad esempio, il personaggio principale del film "Zombie di nome Sean"sta andando al negozio. Tutto è molto banale per lui. E in sottofondo c'è una vera apocalisse:
A seconda del genere e della presentazione, questo può creare un effetto molto divertente o una tensione: nei film horror, gli urlatori principali sono spesso nascosti.
Conversazioni in movimento
Il tipo più comune di dialogo nei film è che i personaggi si siedono e chattano. In questo caso, la fotocamera passa tradizionalmente tra i volti.
Ma se la scena diventa troppo lunga, allora spettatore stancarsi della ripetizione costante degli stessi angoli. Pertanto, i buoni registi integrano o cambiano l'impostazione di tali scene.
Quindi, nei film di Quentin Tarantino, i personaggi parlano quasi costantemente. Ma il maestro non ti lascia annoiare, perché i dialoghi possono svolgersi durante la guida. A causa del costante cambiamento dello sfondo, l'azione non sembra uniforme.
E anche se i personaggi sono nella stessa stanza, la telecamera non si limita a cambiare. Può spostarsi intorno a loro, creando l'effetto di presenza e persino partecipazione alla conversazione. Quasi tutti i personaggi possono essere visti senza modifiche non necessarie.
Nicholas Winding Refn riesce a utilizzare il già citato gioco con colori e riflessi in una semplice conversazione. In Drive, il primo dialogo dei protagonisti sembra apparire molto semplice.
Ma allo stesso tempo il personaggio Ryan Gosling è sempre su uno sfondo blu (questa combinazione di colori lo accompagna per tutto il film). E l'eroina Carey Mulligan è alle pareti arancioni. E questo mostra che qualcosa li separa, anche se sono vicini.
La regola dei 180 gradi
C'è un altro punto importante durante le riprese. Se muovi la telecamera di oltre 180 gradi quando cambi l'angolazione, lo spettatore si confonderà. Ad esempio, quando l'eroe sta correndo, sembrerà che si sia voltato e si muova nella direzione opposta.
E questo è altrettanto importante anche durante i dialoghi. Per non creare l'impressione che tutti nell'inquadratura si siano mossi bruscamente, l'operatore e il regista scelgono una certa linea oltre la quale la telecamera non deve andare.
È curioso che una deliberata violazione di questa regola possa essere usata solo per confondere lo spettatore, per mostrare la confusione dell'eroe. E con la dovuta immaginazione, gli autori creano scene più insolite. Ad esempio, una conversazione Gollum Con me stesso. Il personaggio viene semplicemente mostrato da lati diversi, ma questo crea l'effetto che ci sono due altoparlanti e sono in dialogo.
Caratteristiche di installazione
Il montaggio permette di rendere più dinamica l'azione del film, “saltando” i momenti noiosi della vita e permettendoti di guardare cosa sta succedendo da diversi punti di vista. La sua forma più semplice è narrativa. Cioè, gli eventi nel frame si verificano uno dopo l'altro. Questo è stato spiegato più chiaramente in The Man from Boulevard des Capucines.
Ma puoi mostrare gli eventi del film in un modo diverso, e per questo usano varie tecniche.
Installazione parallela
Al contrario della narrazione sequenziale, a volte gli autori vogliono che il pubblico veda cosa sta accadendo nello stesso momento in luoghi diversi. E poi registi fare riferimento al cablaggio in parallelo.
Questo rende la trama più movimentata. Ma è necessaria cautela. Dopotutto, se mostri a turno le scene che si verificano contemporaneamente, potresti avere l'impressione che ognuna di esse duri più a lungo.
Un esempio lampante di editing parallelo non riuscito è "Furious-6". Gli eroi stanno cercando di scappare su un aereo che sta guidando lungo la pista, le auto li inseguono e all'interno del transatlantico si svolge un combattimento.
Gli autori dimostrano così tanti eventi contemporaneamente che sullo schermo l'aereo sembra accelerare per almeno 15 minuti. Inutile dire che questo uccide tutto il realismo della situazione?
Christopher Nolan, d'altra parte, è ampiamente considerato un maestro del montaggio parallelo. Il regista lo usa in molte delle sue opere, ma il miglior esempio è Inception. Eventi a diversi livelli di sonno si verificano simultaneamente e a velocità diverse (nel sonno più profondo, il tempo scorre più lentamente).
Qui, la già citata separazione dei colori si aggiunge all'azione e lo spettatore non si confonde in ciò che sta accadendo, ma si rende conto dell'intera globalità degli eventi.
A proposito, è interessante che nel film "Dunkirk" Nolan sia ancora più spiritoso con questa tecnica. Mostra in parallelo gli eventi che si svolgono sulla terra, nell'acqua e nell'aria. In effetti, la cronologia è completamente diversa, e tutto converge solo nel finale.
Flashback e Flash Forward
A volte gli autori incorporano i loro ricordi del passato - flashback - nella storia lineare dei personaggi. Questi possono essere brevi flash di pochi secondi o intere trame.
Un grande amante di questi momenti - Jean-Marc Vallee. Quindi, aggiunge tensione alle scene apparentemente calme. Oppure chiarisce che il personaggio sta ingannando qualcuno: dice una cosa, ma qualcosa di completamente diverso appare nei suoi ricordi.
Non è difficile immaginare che i flashforward siano le stesse storie, ma dal futuro. Sono usati meno spesso, di solito nella fantascienza o nelle storie mistiche. Con una tale tecnica, hanno persino costruito un'intera serie, dove, durante una certa eclissi, ogni persona ha visto un momento dal suo il futuro.
E più avanti lungo la trama, tutti cercano di scoprire le ragioni di ciò che è successo e di capire il significato delle loro visioni. La serie è stata chiamata così: Flashforward (nella traduzione russa - "Ricorda cosa succederà"). È vero, è durato solo una stagione.
Taglio di salto
Questa tecnica si applica già all'editing lineare. Significa una transizione netta tra i colpi. Lo usano per scopi completamente diversi.
In Little Shop of Horrors di Frank Oz, questo montaggio aiuta a mostrare il lungo e noioso passare del tempo.
Ma Lars von Trier, che anche nelle sue opere usa spesso il jump-cut, trasmette lo stress emotivo e l'instabilità psicologica dei personaggi in questo modo. Scatti così rendono la foto più "nervosa". Nel nastro "Idiots", questo è molto appropriato:
Modifica in forma e suono
Affinché i diversi eventi mostrati nel film siano percepiti come continuazione l'uno dell'altro, gli autori usano spesso coincidenze visive. Cioè, i contorni di qualche oggetto in un fotogramma vengono ripetuti nel successivo. E a volte può sembrare molto spiritoso.
Allo stesso modo, puoi "agganciare" lo spettatore con il suono. L'urlo continua il fischio del piroscafo e il rombo industriale viene sostituito musica lo stesso ritmo. Oppure il sibilo di una pipa danneggiata si trasforma in un crepitio di carne arrosto.
Inoltre, il suono potrebbe essere leggermente in anticipo o in ritardo rispetto a quanto visualizzato sullo schermo. Questo viene fatto per rendere le scene più collegate. Cioè, lo spettatore sente ancora il discorso e fruscia dal fotogramma precedente, ma l'azione è già cambiata. O vice versa.
Mancanza di installazione
Questa è una mossa audace: i registi girano scene lunghe senza alcun montaggio, oppure le nascondono in vari modi.
Ciò rende ciò che sta accadendo sullo schermo più realistico, dà allo spettatore un senso del ritmo della storia stessa. Ma, ovviamente, questo approccio richiede molte più prove e investimenti. Dopotutto, durante l'elaborazione, puoi tagliare piccole cose senza successo.
Così, Joe Wright nel film "Espiazione" ha mostrato una scena di cinque minuti con l'evacuazione delle truppe da Dunkerque durante Seconda guerra mondiale. Tra la folla, sono state coinvolte 1.300 persone, con apparecchiature in movimento nel telaio e esplosioni sullo sfondo. È questo approccio che trasmette tutta l'oscurità e il caos di ciò che sta accadendo.
Le moderne tecnologie consentono di gestire l'installazione in modo più accurato. E questo ha aiutato Alejandro Gonzalez Iñárrit a sparare a Birdman. In esso non ti accorgi nemmeno immediatamente che l'intera azione è mostrata in un fotogramma continuo.
In effetti, il montaggio è lì, ma nascosto. Le colle vengono prodotte quando la fotocamera passa attraverso un elemento scuro.
E l '"Arca russa" di Alexander Sokurov sembra ancora più forte. L'azione si svolge all'Hermitage e al regista è stato concesso un giorno per le riprese. Pertanto, ha deciso di scattare la foto senza incollare.
Ci sono voluti sette mesi di prove con 800 comparse. Di conseguenza, dalla terza ripresa hanno girato un intero film della durata di 1 ora e 27 minuti.
In effetti, ci sono molte più sottigliezze simili. Ma molti di loro richiedono già una profonda conoscenza della regia e della cinematografia. Questi sono solo semplici esempi che possono essere visti in molti film. E quando guardi la foto successiva, rimarrai sicuramente colpito dall '"angolo olandese" o da un lungo fotogramma senza modifiche. Ma questo non spezzerà la magia cinematografiaal contrario, renderà la visione ancora più interessante.
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