“Mia figlia di cinque anni disegnerà allo stesso modo”: come iniziare a capire l'arte e cosa dovresti sapere per questo

Trattiamo sempre le opere di artisti o scultori in modo soggettivo, perché non esistono standard rigidi nella creatività. Il critico d'arte Nikita Monich ha spiegato agli ascoltatori del podcast Science Pulverizer come imparare a comprendere l'arte e se è possibile credere agli stereotipi sulla vita e sul lavoro dei creatori.

Un artista deve davvero avere fame?

Problema complesso. Ci imbattiamo molto spesso in questo stereotipo. Ma sostituiamo la parola "artista" con il nome di un'altra professione. È vero che un matematico, un meccanico, un ministro o un presidente dovrebbero vivere in povertà? Se ognuno di noi pensa ai propri affari, molto probabilmente arriveremo alla conclusione: "Lavoro certamente per non avere fame". E gli artisti trattano il loro lavoro allo stesso modo.

Vale anche la pena chiarire cosa si intende per “artista professionista”.

Ma succede che l’opera di un pittore riceve una degna valutazione solo dopo la sua morte. Ci sono molti creatori che hanno vissuto una vita povera e sono morti incompresi. E non hanno avuto il tempo di vedere se i loro quadri erano richiesti. Pertanto, gli storici dell'arte credono: se le opere del pittore sono diventate molto apprezzate, allora può essere considerato un professionista che ha dato un contributo significativo all'arte.

Un artista, ovviamente, non deve soffrire la fame, ma a volte è costretto a vivere in povertà. Succede che la sua visione del mondo, i suoi messaggi che cerca di trasmettere attraverso le sue opere, non entrano in risonanza con chi acquista i quadri. Questo accade spesso agli innovatori. Oppure con coloro che ricevono riconoscimenti solo durante un breve periodo della loro vita creativa. Allora questi maestri rimangono davvero affamati.

Ma per fortuna ne conosciamo molti artistiche hanno avuto successo. Capivano molto bene di cosa avevano bisogno i loro contemporanei. E potrebbero anche aggiungere una nuova visione agli approcci tradizionali. Ma lo hanno fatto a dosi, in modo che la società potesse accettare le loro decisioni innovative.

Tale riconoscimento è stato ottenuto da Raffaello, Rubens e successivamente da Marc Chagall, Salvador Dalì, Pablo Picasso.

Ma ci sono altri esempi, ad esempio Klimt e Schiele. Il primo ebbe una brillante carriera e fu l'artista di maggior successo a Vienna. Il secondo è il suo studente. Ha vissuto una vita breve e infelice e ha ricevuto il riconoscimento solo alla fine.

Pertanto, accade che il motto dell'artista diventi la frase l'art pour l'art - "l'arte per l'arte". E i soldi devono farlo guadagnare Altrimenti. Questo è ciò che fece, ad esempio, il famoso Leonardo da Vinci.

Possiamo separare le leggende degli artisti dai fatti?

Continuiamo a parlare di Leonardo e guardiamo la sua Gioconda. Ci sono molte leggende attorno a questo famoso dipinto. Ad esempio, si ritiene che l'artista abbia assunto musicisti in modo che la modella non si annoiasse mentre la disegnava. E il famoso sorriso della Gioconda è apparso proprio grazie a questa musica. E in generale, l’artista ha dipinto le labbra della ragazza solo per 12 anni.

Qui è difficile separare i fatti dalle speculazioni. Non sappiamo quasi nulla di come funzionasse effettivamente da Vinci e i suoi contemporanei. Sì, possiamo, ad esempio, studiare i diari di Leonardo. Ma dare un senso ai suoi appunti non è un compito facile.

Conosciamo le biografie di Leonardo e dei suoi contemporanei dagli archivi dell'artista e critico d'arte Vasari. Ma non sappiamo con quale precisione i fatti si riflettono in queste opere, divenute canoniche.

Ad esempio, Vasari descrive le sopracciglia della Gioconda. Ma non ci sono sopracciglia sulla tela. Inoltre, sono assenti non solo nella versione finale. Sotto lo strato esterno, se studi l'immagine usando una radiografia, anche le sopracciglia non sono visibili. Si scopre che Vasari o non ha visto questa immagine lui stesso e "Rabinovich gli ha cantato", oppure l'ha vista, ma ne ha scritto a memoria e si è sbagliato.

Ma ci sono anche fatti di cui siamo sicuri. Leonardo ha scritto La Gioconda per molto tempo e l'ha trattata con emozioni speciali. Iniziò a lavorare dopo aver ricevuto l'ordine nel 1467. Poi non ha mai regalato il dipinto al cliente e lo ha portato con sé per molto tempo. Dopo 40 anni Leonardo torna al lavoro. Forse ha aggiunto solo pochi tratti: anche con l'aiuto dei raggi X non possiamo dire esattamente in quale anno è stato applicato ciascun tratto. Sappiamo però che l'artista completò il dipinto molti anni dopo l'inizio dei lavori.

Chi disegnano realmente gli artisti nei loro ritratti?

Sembrerebbe che la risposta sia ovvia: coloro che servono loro da modello. Ma se parliamo della Gioconda, allora si sentono molte speculazioni su chi Leonardo volesse veramente ritrarre. Alcuni lo credono lui stesso. O anche Cristo.

In effetti, non è molto importante chi sia servito da modello per l'immagine. Spesso un ritratto è solo un'immagine. Diciamo che la persona sulla tela è molto simile a quella che ha posato. Tuttavia ogni dipinto è anche un ritratto dell'artista stesso. Ma non perché dipinga sempre il suo aspetto.

Qui non è la forma che conta, ma il contenuto. Cioè il messaggio, il significato che l'artista mette in ogni sua opera. E questo messaggio dipende interamente dal creatore.

Che ruolo avevano le donne nell’arte classica?

Spesso sono diventati muse per i creatori. Ma raramente riuscivano a ricevere essi stessi un'istruzione classica e diventare artisti.

Questo è uno dei motivi della limitazione. Qualsiasi dipinto o scultura è un oggetto sensoriale. La creatività è sempre stata associata alla sessualità. Questa è in gran parte sublimazione, cioè la direzione dell'energia sensoriale in un'altra direzione creativa. E lo sappiamo artistiColoro che creavano arte classica spesso dipingevano figure femminili nude. A questo scopo, i modelli hanno posato per loro.

Tuttavia, nei secoli passati era impossibile anche solo pensare ad una ragazza che disegnasse un uomo nudo. Non poteva nemmeno stare nella stessa stanza con lui.

Ma questo non significa che le donne non abbiano influenzato in alcun modo l’arte. Al contrario, senza di loro difficilmente avrebbe raggiunto un livello elevato.

Recentemente è stato realizzato il Museo del Prado progetto El Prado en femminino. I suoi creatori hanno realizzato un video in cui tutti i dipinti che la donna aveva ordinato, acquistato o fatto parte della sua collezione sono scomparsi dalle pareti del museo. Di conseguenza, quasi tutti i principali capolavori nel video sono scomparsi dalle sale del museo.

Può una persona comune, e non uno specialista, comprendere l'arte contemporanea?

Qualsiasi dipinto, scultura, opera d'arte decorativa e applicata, la melodia è un messaggio. Ed è trasmesso in qualche lingua. Ciò significa che per decifrare questo messaggio è necessario conoscere la lingua in cui viene trasmesso.

Quando una persona vede alcune persone o oggetti in un'immagine, spesso gli sembra che tutto sia chiaro. Lo spettatore potrebbe pensare: questa è una bella donna disegnata in modo realistico - cosa non è chiaro al riguardo? Ma non vede le allegorie, non sa quale storia è criptata nell'immagine, non riconosce le citazioni letterarie ad essa associate. Se vede i santi, potrebbe non sapere per cosa sono famosi, a cosa sono disegnati accanto i loro attributi o perché questi attributi erano necessari. E alla fine non capisce il messaggio che l'artista voleva trasmettere.

Ma la persona conclude: “Lo capisco, perché qui c'è gente. Ma qui ci sono solo macchie, mia figlia di cinque anni disegnerà allo stesso modo, non capisco”.

Ma affinché nasca una relazione, devi capire esattamente cosa ti è stato detto. Se la frase suona nella lingua di uno sconosciuto lingua - ad esempio in vietnamita o ungherese - non percepirà nulla. E non riceverà il messaggio, anche se è estremamente importante e potrebbe cambiargli la vita.

Concludiamo: capire l'arte significa conoscere bene il linguaggio che parla l'artista. Se non capisci questa lingua, sarà impossibile ascoltare l'artista.

Come imparare a comprendere l'arte

Vale la pena capire cosa ti piace esattamente e cosa ti risuona. Per fare questo è necessario provare cose diverse. È come con i prodotti: puoi confrontare diversi tipi di succo e poi decidere che ti piace ancora di più la birra. Ma prima devi provare ogni bevanda.

Se hai iniziato a fare conoscenza arte, ricorda due regole:

1. L'interesse per l'immagine inizia con la seconda visione. Se vuoi guardarlo di nuovo, significa che c'è qualcosa dentro.
2. Non aver paura degli spoiler. Prima di andare al museo, puoi leggerlo. E guarda i 20-30 capolavori che sono conservati lì. Sono facili da trovare, ad esempio, sulla piattaforma Google Arte&Cultura.

All'inizio basta guardare le immagini, sfogliare le pagine: nella prima fase questo è sufficiente. Allo stesso tempo, apri in nuove schede quelle tele che hanno attirato la tua attenzione. Quindi guarda di nuovo questi lavori, leggi di loro.

Più tardi, quando vai al museo, vai direttamente ai dipinti che ti interessano. Cioè, su tele già familiari. Ciò è necessario per non sprecare la tua risorsa più preziosa: l'attenzione.

Pertanto, guarda solo ciò che hai pianificato in anticipo. E poi prova a individuare tre opere tra tutto ciò che hai visto:

1. Quello che ti è piaciuto di più.
2. Quello che non ti è piaciuto di più.
3. Quello che hai trovato più strano.

Quindi prendi il tuo smartphone e accendilo allarmein modo che squilli tra cinque minuti. È molto importante non guardare lo schermo per tutto questo tempo, quindi lascia che sia una sveglia, non un timer. E parla con l'immagine selezionata per cinque minuti. Assicurati di parlare ad alta voce, solo a bassa voce: sei ancora in un museo. Parla a un ritmo medio, senza ripetizioni. Continua finché non suona la sveglia.

Ebbene, se ripeti questa tecnica ogni volta che visiti una nuova mostra, col tempo accumulerai esperienza percettiva. E potrai interpretare meglio l'arte.