Breve storia del cinema dalla metà del XX secolo ad oggi: un estratto dal libro di Anton Dolin

Il fiorire del cinema d'autore

Dalla metà degli anni '50, registi e registi sono emersi in tutto il mondo, ognuno con il proprio stile e stile. Alcuni di loro si rispettano, altri, al contrario, si disprezzano e la maggioranza costruisce il proprio universo artistico, abitato da soci e estimatori.

Gli anni '50 -'70 videro l'apice della popolarità del cinema d'autore: la gente lo guarda, lo bandisce, lo esalta, ne discute ferocemente, scrive articoli e interi libri. Per la prima volta, i teorici parlano seriamente del cinema come di un'arte che non è in alcun modo inferiore ai suoi fratelli maggiori: teatro, letteratura, pittura o musica.

In Unione Sovietica, nonostante la censura, quella di un autore senza compromessi film e artisti unici: Andrei Tarkovsky, Elem Klimov, Aleksey German Sr., Kira Muratova.

Dieci film da provare:

• Tokyo Story, 1953, Yasujiro Ozu, Giappone;
• “Seven Samurai”, 1954, Akira Kurosawa, Giappone;
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• The Word, 1955, Karl Theodor Dreyer, Danimarca;
• The Seventh Seal, 1957, Ingmar Bergman, Svezia;
• "Adventure", 1960, Michelangelo Antonioni, Italia;
• La Dolce Vita, 1960, Federico Fellini, Italia;
• A Clockwork Orange, 1971, Stanley Kubrick, UK / USA;
• Beauty of the Day, 1967, Luis Buñuel, Francia;
• La paura mangia l'anima, 1973, Rainer Werner Fassbinder, Germania;
• Specchio, 1974, Andrei Tarkovsky, URSS.

New Hollywood

Questa tendenza del cinema d'autore americano è stata influenzata in parte dalla cinematografia europea e asiatica e dal movimento dei festival. La sua nascita è associata all'abolizione del codice di censura di Hayes, che prescriveva regole severe per ciò che è permesso e cosa non può essere mostrato nei film, e con la crisi del sistema "studio" americano, annegato nell'auto-ripetizione e stanco spettatori.

I giovani registi-spettatori si sentivano parte della comunità culturale mondiale. Hanno abbandonato tutte le restrizioni ed esplorato le aree tabù della vita americana. Allo stesso tempo, i loro film erano popolari e hanno ricevuto il pieno, sono stati nominati per premi cinematografici e li hanno vinti.

Le questioni sociali e la ricerca sul trauma del comune americano nei nuovi film di Hollywood sostituite leggi cinematografiche convenzionali del cinema di genere con le sue obbligatorie e spesso di turno lieto fine.

Cinque film da provare:

• The Graduate, 1967, Mike Nichols, USA;
• Easy Rider, 1969, Dennis Hopper, USA;
• The Godfather, 1972, Francis Ford Coppola, USA;
• Wicked Streets, 1973, Martin Scorsese, USA;
• "Scarface", 1983, Brian De Palma, USA.

Blockbusters

A metà degli anni '70, una rivoluzione commerciale ha avuto luogo nel cinema americano e poi nel mondo. Giovani immigrati da New Hollywood George Lucas e Steven Spielberg girano film di genere incredibilmente popolari per un pubblico giovane che battono tutti i record al botteghino. Da questo punto in poi, l'America sta gradualmente passando dalla produzione di massa di cinema serio a pubblico adulto per film di intrattenimento per adolescenti: vere macchine commerciali per fare soldi i soldi. Sono chiamati "blockbuster" - letteralmente "distruttori di quartiere".

I blockbuster sono ancora al centro del potere degli studi di Hollywood e della vitalità dell'industria cinematografica americana.

Cinque film da provare:

• Jaws, 1975, Steven Spielberg, USA.
• Star Wars, 1977, George Lucas, STATI UNITI D'AMERICA.
• Alien, 1979, Ridley Scott, USA.
• The Terminator, 1984, James Cameron, USA.
• Die Hard, 1988, John McTiernan, USA.

Postmodernismo

Questa parola spaventa molti. Da un lato, nessuno è in grado di descrivere brevemente e chiaramente cosa si intende con esso. D'altra parte, su di lui sono stati scritti così tanti studi e libri che significa troppo.

Nel cinema, chiare manifestazioni del postmodernismo sono il disprezzo per il sistema di gerarchie (sia copyright che commerciale cinema), ironia pervasiva, citazioni onnipresenti dai classici del cinema, mancanza di moralismo e istruttivo. Oltre a una miscela di generi e stili, la non distinzione tra arte "alta" e cultura di massa, l'inclusione dello spettatore in la visione come una sorta di gioco culturale in cui gli viene chiesto di indovinare cosa ci sia effettivamente dentro attenzione all'autore.

Dalla metà degli anni '80, il postmodernismo ha conquistato la cinematografia in tutto il mondo.

Dieci esempi da provare:

• Blue Velvet, 1986, David Lynch, USA;
• "ASSA", 1987, Sergey Solovyov, URSS;
• "Donne sull'orlo di un esaurimento nervoso", 1988, Pedro Almodovar, Spagna;
• Nikita, 1990, Luc Besson, Francia;
• Sonatina, 1993, Takeshi Kitano, Giappone;
• «Romanzo giallo», 1994, Quentin Tarantino, USA;
• Dead Man, 1995, Jim Jarmusch, USA;
• Breaking the Waves, 1996, Lars von Trier, Danimarca;
• Giochi divertenti, 1997, Michael Haneke, Austria;
• "About Freaks and People", 1998, Alexey Balabanov, Russia.

Festival

I primi festival cinematografici iniziarono a tenersi anche prima della seconda guerra mondiale. La rassegna cinematografica più influente è stata Venezia, fondata nel 1932 su iniziativa personale del dittatore Benito Mussolini. Il Festival di Cannes è stato concepito per la prima volta alla fine dello stesso decennio come alternativa e controbilanciamento al Festival di Venezia, dove le idee fasciste stavano diventando sempre più influenti. I piani non erano destinati a realizzarsi: la guerra è iniziata. Di conseguenza, il primo Festival di Cannes ha avuto luogo nel 1946.

Gli spettacoli cinematografici più importanti in Europa sono tradizionalmente considerati i festival di Berlino (febbraio), Cannes (maggio) e Venezia (Agosto-settembre), i più prestigiosi sono i loro premi: "Orso d'oro", "Palma d'oro" e "Leone d'oro" rispettivamente. Inoltre, festival famosi si tengono da tempo a Locarno e Rotterdam, Karlovy Vary e San Sebastian, Toronto e Busan.

Ci sono più festival cinematografici internazionali nel mondo che giorni all'anno.

Venti vincitori del festival da provare:

• Rashomon, 1951, Akira Kurosawa, Giappone (Venezia);
• "Pay for Fear", 1954, Henri-Georges Clouzot, Francia (Cannes);
• "12 Angry Men", 1957, Sidney Lumet, USA (Berlino);
• Viridiana, 1961, Luis Buñuel, Spagna (Cannes);
• Ivan's Childhood, 1962, Andrei Tarkovsky, URSS (Venezia);
• Gli ombrelli di Cherbourg, 1964, Jacques Demy, Francia (Cannes);
• Ospedale militare da campo, 1970, Robert Altman, USA (Cannes);
• The Canterbury Tales, 1972, Pier Paolo Pasolini, Italia (Berlino);
• "Ascent", 1977, Larisa Shepitko, USSR (Berlino);
• All That Jazz, 1980, Bob Fosse, USA (Cannes);
• “Nome: Carmen”, 1983, Jean-Luc Godard, Francia (Venezia);
• "Paris, Texas", 1984, Wim Wenders, Germania (Cannes);
• Red Gaoliang, 1988, Zhang Yimou, Cina (Berlino);
• Barton Fink, 1991, Ethan e Joel Coen, USA (Cannes);
• The Piano, 1993, Jane Campion, Nuova Zelanda (Cannes);
• Long Live Love, 1994, Tsai Mingliang, Taiwan (Venezia);
• La città incantata, 2002, Hayao Miyazaki, Giappone (Berlino);
• Still Life, 2006, Jia Zhangke, Cina (Venezia);
• “4 mesi, 3 settimane e 2 giorni”, 2007, Cristian Mungiu, Romania (Cannes);
• "Uncle Boonmi Who Remembers His Past Lives", 2010, Apichatpong Weerasetakun, Thailandia (Cannes).

"Oscar"

L'umanità è sicura che il premio più alto nel campo del cinema sia l'Oscar, ed è impossibile convincerlo. Ma l'Oscar è un premio industriale puramente americano, nelle coordinate limitate di cui spesso ci sono tutta la cinematografia invisibile: dopotutto, vengono premiati solo i film usciti durante l'anno STATI UNITI D'AMERICA.

Forse attribuiscono tanta importanza al premio perché gli Oscar sono uno spettacolo spettacolare. O perché il più famoso
le star del mondo sono Hollywood. Ma soprattutto, ovviamente, perché il cinema americano è il più popolare al mondo.

Il motivo è semplice. I francesi fanno film per i francesi, i danesi per i danesi, gli indiani per gli indiani, i cinesi per i cinesi e i russi per i russi. Ci sono eccezioni a questa regola, ma sono rare e insignificanti. E solo Hollywood fa film non per gli americani, ma per il mondo intero.

Venti migliori film da Oscar da provare:

• È successo una notte, 1935, Frank Capra, USA;
• Via col vento, 1940, Victor Fleming, USA;
• Rebecca, 1941, Alfred Hitchcock, USA;
• All About Eve, 1951, Joseph Mankiewicz, USA;
• Ben-Hur, 1960, William Wyler, USA;
• The Apartment, 1961, Billy Wilder, USA;
• West Side Story, 1962, Robert Wise e Jerome Robbins, USA;
• Lawrence d'Arabia, 1963, David Lin, Regno Unito;
• Midnight Cowboy, 1970, John Schlesinger, USA;
• "The Godfather - 2", 1975, Francis Ford Coppola, USA;
• Qualcuno volò sul nido del cuculo, 1976, Milos Forman, USA;
• Annie Hall, 1978, Woody Allen, USA;
• Platoon, 1987, Oliver Stone, USA;
• Rain Man, 1989, Barry Levinson, USA;
• «Il silenzio degli innocenti», 1992, Jonathan Demme, USA;
• Schindler's List, 1994, Steven Spielberg, USA;
• Forrest Gump, 1995, Robert Zemeckis, USA;
• Titanic, 1998, James Cameron, USA;
• Nessun paese per vecchi, 2008, Ethan e Joel Coen, USA;
• Birdman, 2017, Alejandro Gonzalez Iñarritu, USA.

Il noto giornalista e critico cinematografico russo Anton Dolin ha scritto un libro per bambini e adulti, dove ha analizzato importanti questioni sul cinema. Perché guardiamo i film? Come capire il linguaggio cinematografico? E se sei annoiato? Come sta cambiando il cinema e cosa ne sarà di esso nel lontano futuro? Un bel bonus: le illustrazioni per la pubblicazione sono state disegnate da Konstantin Bronzit, artista, animatore e candidato all'Oscar.

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